A lo largo del disco, Tindersticks sigue explorando las habilidades de los sonidos, creando paisajes ambientales más tradicionales para Brian Eno o Brendan Perry que para Tindersticks.
Tuve la oportunidad de hablar con Stuart A. Staples – fundador, vocalista y guitarrista de Tindersticks.
En la entrevista para Louder Than War, Stuart habla sobre la metamorfosis de No Treasure But Hope y escribiendo Distractions, sobre el elemento punk-rock de su creatividad y trabajo puntuable, sobre la reflexión sobre el pasado y la percepción de su trabajo.
Antes de la entrevista, usted ha mencionado que Distractions se convirtió en el momento de su redescubrimiento de sí mismo en el proceso de escritura. ¿Qué impulsó estos cambios, según su opinión?
“Supongo que, en cierto modo había muchos factores involucrados en la realización de Distractions. Y uno de ellos, creo que, de una manera, teníamos mucha energía de la banda, que se dejó de las giras canceladas. Íbamos a algún lado como banda. Y creo que, para mí, el último álbum – No Treasure But Hope, fue una experiencia hermosa. Viví cada momento de hacerlo. Pero en cierto modo, fracturó el tipo progresivo de línea que ha estado pasando por nuestro trabajo durante los últimos 7-8 años”.
“Antes de No Treasure But Hope había una banda sonora para High Life, había un álbum en solitario, estaba el proyecto Minute Bodies. Se trataba de explorar, acercarse a la música de diferentes maneras. Antes de la pandemia. Y creo que, de ahí salió la primera y última canción sobre Distractions. Luego el tour fue cancelado a mitad de camino. Nos encontramos con energía, tiempo y estas ideas… Así que el álbum comenzó. Pero fue un momento muy particular con un montón de elementos diferentes.”
El enfoque principal en el registro es su voz, letras y diferentes imágenes a las que se refiere – la creación de toda la imagen. ¿No crees que el proceso de trabajo te llevó a una situación diferente, donde la letra prevalece más que con cualquier cosa que hayas estado haciendo antes?
“Creo que con No Treasure But Hope, fue probablemente el disco más narrativo que he escrito, porque creo que la forma en que fue escrito – fue escrito para grabarlo en vivo en un estudio. A medida que las canciones crecían musicalmente juntas, tuve que fijar exactamente lo que cada línea significaba para mí. Lo que tenía que decir en una canción. Y creo que hizo un disco muy narrativo.
Para este disco probablemente el registro conflictivo es lo más abstracto que he hecho. Así que, creo, están en dos lados diferentes de un espectro. Así que en cierto modo, mi voz no es realmente una herramienta para transmitir palabras. Es una sensación de sonido. De un sonido humano que es lo más importante, en primer lugar. Porque sin eso no hay nada. Pero en este álbum, había una forma diferente de trabajar, sobre mi voz.
Trabajé para hacer paisajes, paisajes musicales para que la voz entrara. Y no quería entrar. Había paisajes hasta que estaban listos. Por lo tanto, canciones como The Bough Bends, I Imagine You al final, eran una especie de platicas. Y mucho tiempo, estaba sentado tratando de entender lo que acababa de pasar.
Trabajar en papel tiene sentido. Era más bien como corrientes de conciencia en cierto modo. Ambiguos y en conflicto todo el tiempo. Espero que el significado venga de entrar en él. No se trata realmente de que me digan: Esta es la historia – esto es lo que pasa! – Creo, es algo diferente.”
Mientras trabajan, los poetas a menudo piensan en elementos estructurales, elementos acústicos – cómo funciona un sonido con los demás, la forma, los rítmicos de la pieza, cómo esta palabra representa un sentimiento, etc. ¿Cómo le afectó su enfoque de crear paisajes sonoros usando su voz mientras trabajaba en Distractions?
“Creo que es fácil para la gente pensar en mí como cantante. Y luego, piensa en las palabras escritas como una especie de poesía. Pero para mí, es como “para siempre”. Trabajar en un estudio, entornos creativos, atmósfera creativa, crear canciones, es lo que me impulsa primero. Aprendo a cantar. Y creo que las palabras son lo más fácil de lo que estoy buscando. Y así, mi trabajo con las palabras se vuelve muy cuidadoso. Pero no creo que haya ciertos artistas que pienses: “¡Estos tipos son poetas!” y luego, cantan sus palabras. No soy uno de esos tipos.”
“Soy más una persona visual. Y pienso más visualmente. Las palabras, escribir, provienen de un lugar diferente. Tal vez al principio, por necesidad. Ha sido una necesidad poder cantar, aprender a cantar. Para ello. Cada canción que escribes aprendes algo. Y continúas estas cosas en la siguiente canción que escribes. Y te lleva en este viaje.”
“No tenía un tipo general … Con cualquiera de mis trabajos! O con Distractions: Esta es la forma en que voy a abordar esto! – se trata más de experimentación, abrir mi boca, ver cómo me sentía al respecto, lo que acabo de grabar, cómo reacciono a eso y lo que estoy buscando. Pero, tanto para las palabras correctas, estoy buscando la textura correcta, el timbre correcto. ¡Para que te lo creas! Y creo que todo es parte de lo mismo”.
Recuerdo, comentando sobre su anterior No Treasure But Hope usted dijo que quería reunir a toda la banda trabajando e interactuando juntos. ¿Cómo fue tu interacción en este momento?
“Cuando hicimos No Treasure But Hope, la banda no había estado junta durante tres años. Para No Treasure But Hope, se sentía como la manera correcta de reunir a todos en una habitación. Acústicamente y vamos: Ok! Estas son algunas ideas para canciones. Veamos adónde nos llevarían juntos. Pero después de que hicimos eso de que hicimos el disco, fuimos de gira, estuvimos juntos. Fuimos construidos juntos. Y creo que, en cierto modo, Distractions es un testimonio de estar juntos. Porque, todo el mundo en Distractions tuvo que mirar la entrada a musicalidad de una manera diferente.”
“Porque las ideas lo exigían. No es como se puede decir: Aquí está esta idea para Man Alone y le pido a Neil que toque la guitarra, le pido a David que toque el piano. No tiene esas cosas. Pero tiene una entrada allí. De lo que es esta idea, de lo que la conversación gira a su alrededor. Y eso es para mí, por lo que todas las canciones pasaron. Pero eso significaba que nuestro baterista – tocó un montón de sintetizadores en el disco. Toqué mucho bajo. El bajista tocaba mucho piano. Creo que sólo pidió diferentes maneras de que se acercara individualmente a la música. Y no fue sólo por diseño. Fue como: ¡Esta es esta idea! ¿En qué te hace pensar?”
“Simplemente depende de que la gente tenga una respuesta, teniendo un entusiasmo comprometido con estas ideas. Y creo que especialmente con la situación actual, es como todos nosotros en nuestros propios espacios. Y nos damos cuenta muy pronto de que no podemos grabar remotamente. Así que se convirtió en un lugar donde intercambiamos ideas. Hablé de canciones. Y cada uno fue por sus propios espacios, descubrió lo que sentía por cada idea”.
“Luego, en el verano las restricciones bajaron, pudimos reunirnos y grabar, con todas las ideas que obtuvimos en los tres o cuatro meses anteriores. Por lo tanto, creo que es una especie de historia de un disco. Pero para mí, personalmente, estaba solo mucho en el estudio. Explorando estas ideas. Al mismo tiempo, la conversación siempre estaba sucediendo con el resto de los chicos. Es como: Oye, esto es lo que está pasando… Encontré esto en esta canción que me interesa. Fue como, ¿A dónde nos está llevando? ”
“Pero fue estresante! Creo que ese estrés está en el disco. Pero también, cuando es tan difícil hacer algo y realmente quieres hacerlo, le trae toda la nueva energía. Porque, estás muy desesperado, quieres hacer algo. ¡No es fácil! No es como decir: ¡Ok! En abril vamos a grabar este disco, fue una lucha para conseguir grabarlo
¿Pero no crees que también implicó una cierta reflexión? Después de haber pasado este camino de colaboración con Claire Denis, lanzando su disco en solitario, ¿cuánto de esto había dentro de Distractions?
“Creo que cualquier disco que hagamos es como una reflexión o una reacción a los tiempos, los momentos que estás viviendo mientras haces música. Creo que tiene… Un cierto tipo de…no sólo en la pandemia…tiene que ser una especie de suspensión de la realidad. Si entras en un espacio de tratar de ser libre, tratando de encontrar una aventura.”
“Para mí, la música siempre se trata de buscar, se trata de aventura. Incluso si estás escribiendo la canción más triste tienes que ser juguetón con ella. Para encontrar lo que significa. Creo que tienes que ponerte en un cierto estado mental. Y creo eso en este álbum es evidente. Eso es una especie de lucha por ese espacio. Incluso más de lo habitual. Pero creo que las canciones vienen, comenzamos este proceso en diciembre de 2019 – Man Alone y The Bough Bands -vinieron a mí. Y una vez que tienes eso, se trata de explorar y tratar de igualar lo que tienes delante, con tu creación con tu sensación que está dentro de ti.
“Creo que, con eso, tienes sonidos, palabras, tempos, texturas. Pero sólo tratando de satisfacer este sentimiento. Ese fue un momento en el tiempo. Que esta cosa vino a ti, y lo aceptaste. Y creo que eso es cierto para hacer música en general, para mí. Las distracciones son diferentes. Es un momento diferente, un proceso diferente. Pero al mismo tiempo, estas canciones, cuando llegaron, me piden algo que estaba buscando”.
Había algunos registros tuyos que comentaste sobre decir sobre un cierto corazón de un disco, la idea en el núcleo. ¿Esto siempre funciona de esta manera con tus discos, como si tuvieras algunos conceptos clave en el núcleo que exploras con cada una de estas canciones?
Creo que siempre he escrito de la misma manera. La única opción que tienes sobre la composición, para mí, es cuando la canción viene a ti, o la idea viene a ti, lo aceptas o no. Y creo que, una vez que lo aceptaste, asumes la responsabilidad por ello. Y se convierte en algo para empujarte, para apreciar, para ver a dónde te lleva. Escuchas las ideas, lo que están tratando de decirte, y ves a dónde quieren ir ellos mismos. Y creo que, canciones como Man Alone, a principios de enero, estaba listo para ir de gira. Tuvimos una gira reservada durante siete meses y tenía estas dos canciones en mi cabeza. Pensé: “¡Voy a hacer que existan, antes de irme!”.
“Porque si los tuviera en la cabeza y hubiera ido de gira durante siete meses, voy a perder esta sensación que tengo en este momento, sobre cómo me siento acerca de estas dos ideas. Así que me fui al estudio durante dos días. Esbozé Man Alone y esbozé The Bough Bands. Era como: “Ok! ¿Qué tengo? Tengo mi vieja máquina de batería Roland, tengo mi bajo. Tengo esto…” – estas son las cosas a las que llegué sin pensar realmente en ellas. Es como: “Quiero este ritmo. Puedo escuchar esto…” – Empecé, pero no me di cuenta necesariamente en ese momento de que estos elementos eran sólo reacciones.”
“Ya se trate de guitarras pesadas en The Bough Bands o bajo y una batería en Man Alone, no me di cuenta de que esto es lo que se va a estampar. Como: ¡Esta es esta canción en la que estaba pensando! Esto es algo que puedo llevar a los chicos y hacerles entender para que podamos ver a dónde va, pero las texturas se hicieron fuertes.”
“La gente los abrazó. Querían experimentar con ellos. Y así es como empezaron las cosas. Pero para mí, sólo estaba trabajando instintivamente. Creo que ellos mismos, esas dos canciones, dirigieron de qué se trataba este álbum. Todo lo que venía, las otras ideas, tenían que hablar con estas canciones, tenían que reaccionar con ellas, tenían que sentarse con ellas, tenían que estar contentos con ellas. Nunca esperé que hubiera tres versiones en el álbum – en absoluto! Teníamos canciones originales que estaban llegando a través de. Pero una vez que te comprometes con la relación como las dos primeras canciones sobre Distractions: Man Alone y I Imagine You – es un paso muy particular para dar el siguiente paso. Y creo que sólo había una canción de Neil Young que era satisfactoria en ese momento. Por lo tanto, se convirtió en importante!”
“Siempre estás probando cosas, como transiciones, tan importantes para la forma general de un disco. Y cómo se siente. Cada paso que el disco da tiene que llevarlo a un lugar lo suficientemente diferente como para mantenerse comprometido con él, en un tipo diferente de momento. Una vez que tienes un corazón de algo y empiezas a entenderlo, entonces sólo tratas de construir. Y creo que siempre ha sido así con hacer discos de Tindersticks”.
“Siempre hay dos canciones que lideran el camino para lo que es este disco. For No Treasure But Hope – For The Beauty, la canción de apertura era algo a lo que realmente aferrarse. Y creo que eso es cierto para O City Sickness en nuestro primer álbum. Creo que es aferrarse a algo para poder dar otro paso: poder sentir cómo esto quiere ser”.
Simple Pleasure fue el momento en que decidiste concentrarte en tu canto. ¿Cuánto, según su opinión, afectaron esos cambios a su enfoque para escribir letras y su percepción del proceso?
” Acabo de pasar por fases. Creo que lo que tenía que hacer. Hay diferentes habilidades involucradas. Cantar es una de ellas. Escribir es una de ellas. La grabación es una de ellas. La mezcla es probablemente la más difícil. Creo que todas estas cosas son realmente importantes para mí en cierto modo. Sobre cómo haces estas piezas de música. Con los primeros álbumes, estaba tan envuelto en un agujero. Yo estaba: ¡Ok, hay un momento para que yo cante!”
“Yendo a la cabina, estaba cantando como un compositor. Una vez… Dos veces… ¡Eso es todo! No lo escudriñamos, en cierto modo. Creo que tenía miedo de examinarlo. Y creo que es porque mi voz era sólo una parte de lo que estaba en mi mente. No estaba como: “¡Ahora es el momento de que yo sea el cantante!” los tres primeros álbumes para mí adolecen de eso. No todo el tiempo, pero en algunos momentos, pienso: ¿Por qué hice eso? ¿Por qué no me tomé más tiempo con esta canción? ¡Es una gran canción! ¿Por qué no me di tiempo para empujarlo en un estudio en lugar de estar un poco desanimado con él?”
“Cuando llegué a Simple Pleasure, llegó el momento de tomar mi voz en serio. En cierto modo, obviamente tiene algo que es importante. Y creo que es un punto de realización. A lo largo de los años, me he dado cuenta de lo importante que es cantar para mí. Y lo importante que es cantar para que la gente, especialmente en un concierto y cantar para la gente. Hacerlo lo mejor que puedas, hacerlo por ellos es un privilegio muy especial. En una forma de ser capaz de comunicarse de una manera con la respiración dentro de ti. A lo largo de los años, he llegado a apreciar eso. Pero ha sido un largo proceso!”
Siguiendo tus propias palabras, el punk-rock se convirtió en tu “cosa principal”. ¿De qué manera abrió los ojos y cambió sus puntos de vista sobre la música en sí?
“Yo era joven, tenía 13 años en 1978. Sólo llegó en el momento exacto para mí. Y para este tipo de música nueva que rompió todos estos. Estaba totalmente conectado conmigo a mi edad. Pero diciendo eso, lo que pasó fue muy efímero. Estaba en el norte de Inglaterra. No estaba en Chelsea Road. Sólo era un niño en un pueblo lejano del Reino Unido. Pero todavía significaba mucho para mí y para mucha gente que conocía. Creo que el momento, fue efímero. Lo que hizo fue cambiar el panorama de la industria musical. Y lo que sucedió entonces fue realmente muy interesante.”
“Y la música de principios de los años 80 es un momento muy importante en la música en general. Pero no es sólo… El punk-rock llegó derribó las puertas abriendo este espacio para que toda esta gente se precipitara. Cuando tenía 16-17 años, la música que me rodeaba era increíble. Cantantes, escritores. A la gente le gusta, obviamente, Ian Curtis. Pero tanto Mark Almond, Kevin Rowland… El lugar estaba lleno de chicos jóvenes expresándose y siendo realmente únicos con eso”.
“Crecí en ese tipo de ambiente de pensar en la música. Especialmente, creo que con esa gente – no había ninguna regla. Fue impulsado por la necesidad de expresar algo. Si podías cantarlo bien, no importaba lo que fuera. La sensación estaba fluyendo de la gente. Ese para mí es el tiempo que más me dio forma”.
Dentro de muchos de sus álbumes anteriores, unió el formato rock-trío- con diferentes orquestaciones pesadas. Sus obras recientes son, por el contrario diferentes. Empezando por Les Salauds, te has centrado más en el lado lírico de las cosas y en la profundidad de los sonidos. ¿De qué manera esa experiencia de trabajo de puntuación ha afectado al enfoque general de tu creación musical y visión del mundo?
“Definitivamente se puede escuchar en algo como Man Alone y The Bough Bands. Creo que el sentido del espacio de alguna manera está muy conectado con algún trabajo de puntuación. Y además, soy un tipo en un estudio que ha pasado gran parte de su tiempo de los últimos 25 años solo. Recientemente, debido a trabajar en el cine, encontré un ingeniero de mezclas que viene del cine, el chico musical. Y encontré un espacio para trabajar tan abierto y gratificante para mí. Nunca me he sentido cómodo en un estudio. Nunca he encontrado a nadie con quien me sentiría cómodo en un estudio”.
“Cuando encuentras chicos que tienen habilidades diferentes a las tuyas, escuchas música de una manera diferente, realmente puedes tener una apreciación de una conversación y a dónde te lleva. Creo que eso es algo muy grande, y sólo descubrí eso con High Life en 2019. Encontrar un colaborador en un estudio ha sido algo realmente genial para mí. Y creo que, eso permitió las cosas como Man Alone, los efectos de sonido en Man Alone, la grabación, permite que sea musical y tenga un efecto emocional. Eso es para mí es más importante que traer una parte de guitarra allí, o algo más.”
“Creo que para Man Alone y The Bough Bands, ese tipo de cosas formaron las cosas correctas que hacer. Con Distractions no hay decoraciones en un disco. Todo tiene que existir para desempeñar su papel en un momento determinado en el tiempo. Teníamos algunas ideas musicales hermosas que todos en la banda traían a las canciones. Simplemente no fueron para este álbum. Es como: ¡Todo tiene que ser super escrutado. Y creo que la banda sonora, definitivamente se alimenta de eso con seguridad.”
The Bough Bands suena como algo que no has probado antes: dos partes vocales interactuando entre sí. ¿Cuál fue la idea detrás de esta canción en particular?
“Esta es una canción… Creo que probablemente fue la último en grabar las voces. Y no era un lugar que quisiera. Estaba feliz trabajando en una música, entendiendo que este era este espacio para esta voz. Sentí una necesidad. Esto no fue diseñado. Pero canté la primera parte y sentí que había una necesidad de reaccionar a ella, de alguna manera. Pensamientos para mí, sentimientos para mí que nunca son directos, hacia adelante. Nunca estás envolviéndote en una línea ordenada.”
“Creo que, trayendo la segunda voz, que a veces contradice, a veces reacciona o segmenta líneas, se convirtió en algo que me fue fascinante. Fue un viaje de experimentación, tenía algunas líneas, tenía la apertura que pensé que era importante para mí. Tenía esta línea, esa línea. Pero fue realmente como un día ir: Realmente necesito tratar de averiguar lo que está pasando dentro de mí para esta canción. Eso fue como y a donde me llevó.”
Cuando estás trabajando en el registro teniendo algunos bocetos de ideas, ¿qué suele dar forma a las formas y tu sistema de enfoques?
“Creo que para eso en sí mismo, yo diría que es importante que encuentres diferentes maneras de acercarte a cada disco. Si utilizas los mismos sistemas, las mismas formas de trabajar con la banda, trabajar con músicos, creo que puedes quedarte estancado. Eso es lo que te estaba diciendo sobre no hacer ninguna búsqueda sin esperanza. Se rompió algo para mí, me sacó de mi espacio de la cabeza en un estudio, me puso en una habitación con piano y los chicos. Lo que iba a pasar entonces no estaba seguro.
Pasé tres años en mi estudio. La mayoría de las veces solo, trabajando en cosas de las que la gente probablemente no vería diferencia. Te metes en este espacio que se vuelve realmente muy importante. Era muy importante para mí salir a este espacio. la esperanza tuvo mucho que ver para eso.”
“Hubo un aprecio para estar fuera de este espacio. Para estar en este aire fresco. Para que estemos juntos. Creó ese tipo de flotabilidad. En escritura, realización, grabación. A través de, ir al escenario. Creo que para mí había una especie de fantasma, algún tipo de necesidad de estar musicalmente en un lugar que no he sentido que he estado antes. Y creo que, cuando llegaron las ideas para Man Alone y The Bough Bands, sentí que esto me estaba llevando a un lugar donde no he estado antes. ¡Y creo que necesitaba eso! Mientras que, con toda la belleza de No Treasure But Hope, hay algo en él que se siente como ponerse su traje favorito. ¡Pero no puedes usar este traje favorito todo el tiempo! Sólo se convierte en que lo haces todos los días.”
“Hay un tipo definido: la forma tradicional de trabajar. No importa cuánto cada miembro de la banda esté empujando esta entrada, todavía estás en la situación en la que soy el tipo sentado allí, cantando y tocando guitarra acústica. Neil está tocando la guitarra eléctrica. Earl está tocando la batería, Dan está tocando el bajo. Todo el mundo entiende.”
“Nos juntamos, nos mezclamos muy bien. Pero hemos estado en ese espacio muchas veces. Y creo que tratar de encontrar diferentes maneras, y una forma diferente de trabajar es tan gratificante como ir a lo que sabemos. Esto funciona. Todos nos creemos. Esta es la música que hacemos juntos. No Treasure But Hope es un gran ejemplo de ello. Pero a veces, tienes que encontrar nuevos lugares para mudarte. Y creo que estas dos ideas vinieron y fue: ¡Ok! ¿A dónde va esto? No tenía idea de que esto iba a ser de diez minutos de duración cada uno cuando llegaron! Sólo… Deja que [ellos lideren] el camino, trata de entenderlos, y te llevan a algún lugar.”
Al principio de nuestra conversación, usted mencionó un cierto conflicto dentro de Distractions, pero por lo general el conflicto presupone un estado igual de todas las constantes. ¿No fue difícil para usted encontrar el equilibrio de elementos en Distractions?
“A medida que te acercas al final estás tratando de encontrar el equilibrio en muchas cosas. Ese es un elemento con el que no sientes conflicto; pero cuando llegue el conflicto, quieres sentirlo. Tienes que crear y aceptar que hay un espacio negativo Creo que encontrar el equilibrio que crea ese viaje a través del disco es quizás lo más emocionante de hacer álbumes. Es eso en sí mismo: “¡Ok, Lo haces aquí! ¡Termina aquí! Y va a ir de aquí a aquí, a aquí.”
“Y para mí, que siempre siento la necesidad de sentir el álbum, el viaje de este es importante. Antes de que se decidan las instrumentaciones finales. Porque ya sabes, hay algunas cuerdas aquí, necesitas un poco de brillo aquí, aquí es donde la guitarra tiene que salir. Necesito entender el todo antes de terminar, encontrar y sentir eso. Donde deben estar estos colores dentro del registro. Eso es de todo lo que hacemos. Pero al mismo tiempo, es sólo un registro extremo. Este disco pide una forma distinta de entender, una forma distinta de tratar de apreciar lo que está tratando de ser”.
Traducción: Colectivo AgendaOculta
Por: Dan Volohov
Enlace original: https://louderthanwar.com/interview-stuart-a-staples-tindersticks/